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| Naura Telles, fumando um cigarrinho no Sunside |
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| Guy |
16 de abril - 20h30 - Cleber Alves Trio - Cleber Alves (saxofone), Milton Ramos (contrabaixo acústico) e André "Limão" Queiroz (bateria) - Repertório: Standards de jazz (Sonny Rollins, John Coltrane, etc...), instrumental brasileiro e composições autorais - Couvert: R$ 8,00 - 23 de abril - 20h30 - Daniela Rennó & Márcio Bahia Quarteto - Daniela Rennó (vibrafone), Márcio Bahia (bateria), Matheus Barbosa (guitarra) e Fred Heliodoro (contrabaixo) - Repertório: Clássicos de Hermeto Pascoal, Milton Nascimento e composições autorais. Couvert: R$ 8,00 - 30 de abril - 20h30 - Delaretti Trio - Fernando Delaretti (teclado), Marcus Marangon (contrabaixo) e Felipe Amorim (bateria) - Repertório: Standards do jazz de Miles Davis, John Coltrane, Herbie Hancock e Wayne Shorter, entre outros - Couvert: R$ 8,00
. É.
Há muita controvérsia sobre o papel da mulher no jazz. Talvez a questão esteja de fato limitada, como afirma o amigo Frederico Bravante, às características físicas específicas da mulher, quase sempre as afastando de certos instrumentos, como o trompete, o trombone, o contrabaixo acústico ou, com menor incidência, os saxofones tenor e barítono. Ao aspecto estritamente fisiológico devemos associar o machismo que caracteriza decrescentemente a história humana, impedindo que homens e mulheres pudessem produzir cultura em eqüidade e equilíbrio. A depender da grande maioria dos homens, certamente as mulheres ainda estariam nas cozinhas ou nas saletas de chá, tricotando ou embalando seus gordos bebês. Na melhor das hipóteses, poderiam interpretar Chopin em seus doces lares, num piano comprado por seus pais ou maridos. John Lester mesmo sempre disse que há muitas cantoras no jazz pela simples razão de que a voz é um instrumento barato, fácil de transportar e que raramente podia ser retirado da mulher por seu homem para comprar bebida. E a breve história do jazz de 1900 a 1970 não nos deixa mentir: para cada centena de grandes cantoras, encontramos talvez meia dezena de grandes pianistas, quadro ainda mais reduzido quando procuramos por saxofonistas ou trompetistas. Eu mesmo só ouvi ao vivo uma contrabaixista em toda a minha vida: a bonita loira Nikki Parrott, sidewoman de Les Paul, no Iridium de New York. Durante o show conheci atônito o lado brincalhão do genial e octogenário guitarrista, que durante o show fazia piadas do tipo: “Estou me sentindo como Ray Charles quando encontrava o assento” (entrando em cena); ou “Quando toco penso na irmã de minha esposa” (agradecendo o entusiasmo do público); ou, ainda, “Ela é uma grande bunda (ass), digo, aquisição (asset)” (referindo-se à contrabaixista do grupo). Jennifer Aniston, a estrela de Hollywood, que estava bem próxima a Lester, não gostou da piada e retirou-se do clube, talvez em sinal de protesto. Mais tarde, enquanto comíamos uma pizza de peperoni nas proximidades de Grand Central Terminal, perguntei a Lester porque, ainda hoje, havia tantas cantoras e tão poucas instrumentistas. Lester disse que, a partir da década de 1980, esse quadro vem se alterando significativamente. A virilidade dos primeiros tempos do jazz tem experimentado cada vez mais a sensível inteligência feminina. E com tudo de bom que isso significa. Quem poderia supor que a deliciosa escovinha que ouvimos nos discos de Susie Arioli não é obra de nenhum baterista, que baterista não há no grupo. Essa gostosa escovinha, que é quase um carinho como diz Lester, surgiu porque Susie não sabia onde colocar as mãos durante suas apresentações. Coisa de mulher ou não? Para os amigos fica a faixa You don’t know me , com a canadense e seu fiel guitarrista Jordan Officer.
Era 25 de julho de 2005 e Roberto Scardua não conseguia esconder a excitação diante de sua primeira vez no Smoke Jazz Club, em New York. E não tirava os olhos da tatuagem da garçonete loura do Smoke - quem já foi ao club sabe de quem estamos falando - consumindo muito mais do que os apetites ordenavam, apenas para ver mais de perto as curvas e nuances do desenho sobre a pela branquíssima e com fortes indícios de tenra maciez. Eu por meu lado engolia lentamente minha Absolut sem gelo e lembrava de Ajax, obra de Sófocles onde podemos encontrar a lapidar máxima: "o silêncio embeleza todas as mulheres". Seria de fato verdade que a mulher virtuosa é aquela que não emite som? Por quais motivos Plauto teria dito que é sempre melhor a mulher silenciosa? Estaria aí o segredo do sucesso feminino? Bem, o show inicia e a pequena e delicada japonesa Saori Yano começa a nos contar estórias com seu pequeno e lépido saxofone. Instantaneamente Roberto desloca o pescoço em direção ao palco, percebendo que há outras formas de beleza no interior do Smoke. O fraseado da menina oriental remete imediatamente a Bird, o rei do bebop e fica evidente que a voz feminina pode dominar, em segundos, todo o ambiente do club. É claro, semre haverá quem o diga, que em certos trechos a sinuosa saxofonista ainda pontua com certa exitação seu discurso musical e quase vacila no vernáculo de Parker e Gillespie. Mas quase vacila de tal forma que não sabemos se é proposital, como um Guimarães Rosa inventando suas próprias palavras ou como um Machado de Assis realizando suas próprias concordâncias psicológicas. Afinal, quantos podem afirmar que gravaram seu primeiro álbum de jazz aos 16 anos? Saori descobriu o jazz através de um velho cd de Jaco Pastorius que pertencia a seu pai. É nesse álbum que a menina ouve Donna Lee, primeira vez que ouve Charlie Parker, abrindo os olhinhos e passando a ver as coisas de forma diferente. Aos 14 anos lê a biografia de Billie Holiday, que passa a ser sua segunda paixão no mundo do jazz, descobrindo que Lady Day, com apenas 14 anos, já cantava em clubs de jazz para sobreviver. Animada, Saori pega todos os telefones de clubs de jazz do Japão que consegue obter e se oferece como saxofonista. É claro que todos os clubs recusam a oferta da jovem desconhecida, exceto um, que a convida para uma audição. Daí por diante, seriam mais de 200 apresentações anuais em vários clubs que formariam a base musical de Saori, que nunca recebeu uma educação musical formal. É uma artista, como se diz, que aprendeu jazz "on the job". No meio do caminho, encontra músicos como Frank Wess, George Coleman, Toshiko Akiyoshi, Jimmy Cobb e sobretudo James Moody, saxofonista que influenciou a jovem menina não apenas musicalmente, mas também quanto ao caráter e à vida, além de sofrer horrores tentando lhe ensinar alguma teoria musical. 
E quem nunca passou uma lua-de-mel em New York ou Paris? Não? E em Parati ou Visconde de Mauá? Fale sério! Então case novamente e mãos à obra! Enquanto a bolha não sai voando nem estoura, recomendo uma lua-de-mel logo ali, em Visconde de Mauá e, se a carteira suportar, numa das suítes da Pousada Terra da Luz, logo na entrada da cidade. Além da aconchegante lareira próxima à cama, o deck da hidromassagem suporta bem a garrafa de tinto e duas taças. Em derredor, uma infinidade de plantas, milhares de insetos perigosíssimos e carradas de pássaros que, se por um lado não nos perseguem como no filme Alta Ansiedade, por outro espatifam-se nas generosas vidraças que compõem as instalações da pousada. Mesmo já tendo protestado junto ao proprietário, os acidentes continuam ocorrendo e é triste ver aqueles pássaros todos mortos ao redor da sala do café da manhã de manhã. Portanto, acorde tarde, quando já foram recolhidos num carrinho de mão por um dos atenciosos funcionários da casa. E corra porque nos dias 13 e 14 de fevereiro quem estará se apresentando por lá é Ricardo Silveira, um dos nossos melhores guitarristas. 
De volta a Boston, por recomendação do guitarrista Bill Frisell, começou a trabalhar com uma banda de salsa, um de seus primeiros trabalhos profissionais nos EUA. Estrelas Latinas, como se chamava o grupo, era comandada por Fox, um violinista cubano, acompanhado por músicos de Santo Domingo, EUA, Porto Rico e Brasil. Nos finais de semana, Ricardo deixava Boston a caminho de Nova York, onde tocava com o grupo brasileiro Astra Carnaval. Recomendado pelo trompetista Cláudio Roditi, Silveira foi convidado para integrar o grupo do flautista Herbie Mann, com quem excursionou por dois anos pelos Estados Unidos. Nessa época, já morando em Nova York, começou também a trabalhar em estúdio com grandes músicos como Steve Gadd, Richard Tee, Marcus Miller, Michael Brecker, Jason Miles, Naná Vasconcelos, L. Shankar. Apesar dos quatro anos trabalhando fora de seu país, Ricardo manteve o contato com a música brasileira. Aliás, grande parte dos convites para tocar no exterior surgiu por ele ser um músico brasileiro. De volta, por recomendação do produtor e músico Liminha, que havia conhecido nos Estados Unidos, Ricardo foi convidado por Elis Regina para participar da turnê pelo Brasil do disco “Essa Mulher”. Foi no mesmo período que começou a surgir, além de shows, participações em gravações, desde jingles a discos dos mais diversos artistas. Após a turnê com Elis Regina, Ricardo começou a tocar com outros grandes nomes da MPB como Hermeto Paschoal, Maria Bethânia, Gilberto Gil, Milton Nascimento, João Bosco, Ivan Lins, Nana Caymmi e Ney Matogrosso para quem também fez arranjos e direção musical. Entre a participação nas gravações e nos shows dos grandes nomes da música brasileira, Ricardo começava a desenvolver seus projetos solos. Seu primeiro disco foi Bom de tocar (Polygram), lançado em 1984. A música fez tanto sucesso, que acabou virando vinheta da Rádio Globo FM, ficando no ar por 10 anos, e eternizando seus solos de guitarra na música que deu nome ao disco. 
Para o show, convidou os talentosos amigos: o baixista Nico Assumpção, o pianista Luiz Avellar, o baterista Carlos Bala e o saxofonista Nova Yorquino Steve Slagle. O resultado no palco foi tão bom que o quarteto acabou gravando um disco, o High Life, lançado em 1986 pelo selo Elektra Musician. O segundo trabalho solo data de 1987 e teve o mesmo selo. O disco tinha como título o nome do próprio guitarrista. Nos Estados Unidos, este trabalho ganhou o nome de Long Distance, pelo selo da Verve Forecast, que além deste lançou Sky Light, Amazon Secrets e Small World. Todos estiveram entre os cinco mais executados nas rádios de jazz americana, sendo que Sky Light e Amazon Secrets chegaram ao primeiro lugar. Nos Estados Unidos, além de excursionar com Herbie Mann tocou com nomes como Sérgio Mendes, Don Grusin, Dave Grusin, Oscar Castro Neves, Dori Caymmy, Nathan East, Vanessa Williams, El Debarge, Diana Ross, Brenda Russel, Justo Almario, Toots Tiellemans, Baby Face, John Pisano, Kevin Lethau, Ronnie Foster, Harvey Mason, Paty Austin, David Sanborn, Pat Metheny, Phil Perry, Earnie Watts, Gregg Karukas e Abe Laboriel. Com Matt Bianco, Silveira esteve duas vezes na Europa e no Japão, sendo que fez mais oito viagens para este último país em concertos de Sadao Watanabe e Dom Grusin. Com um outro selo - Kokopelli, de Herbie Mann - foi gravado seu sexto CD, o Storyteller, em 1995, que também esteve entre as cinco mais tocadas. Em 2001, o CD Noite Clara saiu no Brasil pela MP,B e em 2003 nos EUA pela Adventure Music. Este trabalho foi indicado ao Grammy Latino 2004 na categoria melhor CD Instrumental. No mesmo ano da indicação, Ricardo Silveira em parceria com Luiz Avellar, ambos com experiências em turnês ao lado de Milton Nascimento, gravam ao vivo – violão e piano – o CD Milton Nascimento ao Vivo pelo selo brasileiro da Universal e pelo americano Adventure Music. No dia 10 de julho de 2007 foi lançado nos EUA Outro Rio, seu décimo trabalho, e em fevereiro de 2008 no Brasil, repetindo a dobradinha dos selos Adventure Music e MPB.
Nosso amigo Olney já havia alertado sobre o TribOz e, agora, Mr. Coimbra, Vice-Presidente do Clube das Terças, confirma a boa impressão que vem causando o espaço. Músicos, cantores, compositores e artistas do Brasil e do mundo encontram-se no TribOz, a sede oficial do Brazilian-Australian Cultural Centre (Centro Cultural Brasil-Austrália). TribOz está localizado na Lapa, o tradicional bairro boêmio no centro do Rio de Janeiro. Esta instituição cultural está rapidamente se tornando uma referência nos meios de produção artística. Experimentações musicais contemporâneas, um mundo infinito de improvisação, samba, jazz e bossa nova são algumas das formas musicais que encontramos no TribOz. É uma proposta inovadora, encontrando eco no que chamamos de ‘Novas Expressões Brasileiras’ – New Brazilian Mult-Art Expressions. O espaço dedica-se ao desenvolvimento e apresentações das artes inovadoras. Desde a sua inauguração em 20 de junho de 2008, TribOz acolheu os sons de músicos brasileiros e internacionais como o pianista João Carlos Assis Brasil, Hélio Celso, Alberto Farah, Tomás Improta, Marvio Ciribeli, os guitarristas Dino Rangel, Bernado Ramos, Marcelo Nami, o saxofonista Marcelo Padre (Canadá/Brasil), o baterista Marcio Bahia (Hermeto Paschoal), a guitarrista Julie Bevan (Nova Zelândia), o grupo australiano ‘OzBrazilian’ The View From Madeleine's Couch, e o vocalista, violonista e 'brasilianista', Hans Limburg. O local exibe pinturas e cerâmicas da artista Denize Torbes, que enriquece a casa com sua arte altamente provocadora. TribOz é o lugar onde músicos, compositores, cantores e artistas nacionais e internacionais se encontram, produzindo um trabalho de altíssima qualidade preenchendo as suas mais altas expectativas. Além deste novo patamar para a multi-arte inovadora, você também encontra aqui conforto e qualidade. Venha sentir os ares do Rio antigo e encantar-se com inovações multi-arte. Venha experimentar esta combinação ímpar que não se encontra em nenhum outro ambiente no Rio de Janeiro - expressões brasileiras multi-arte "saídas do forno". Mais informações AQUI.
Não há muita informação na internet sobre Dona Ivone Pacheco, a maior amante do jazz de Porto Alegre. É verdade que nosso amigo Wilson Garzon, do Clube de Jazz já lhe fez rápida menção. Mas queremos mais. Ivone Pacheco é a dama do jazz de Porto Alegre, dona do título desde que fundou o Clube Take Five há mais de 26 anos. O clube nasceu informal, modesto, num porão, e se tornou o lugar de Jazz na cidade. Pelo Clube do Jazz já passaram convidados de todo o país e até internacionais. Mas só entra nesta trilha quem é convidado. Para não perder a dose de mistério necessária para o jazz, segundo Ivone, o endereço deste clube vai continuar sendo um segredo. No clube não há venda de ingresso, não existe convite ou comitê organizador, muito menos estatuto. Neste clube, a regra é se contagiar pelo ritmo do jazz. Uma sonoridade de estilo intimista, batida marcada e o melhor, sem rotina. Tanto é assim que Ivone Pacheco foi a grande homenageada do 1º Festival de Jazz de Porto Alegre, em 2008. No site Overmundo encontramos um depoimento de Rogério Ratner que vale a pena trazer à lume: "Numa ampla casa localizada no bairro Bela Vista (cujo endereço certo eu nunca lembrava, sabia ir somente na base do “duas ruas à esquerda, uma à direita”) funcionava, nos anos 80, o Clube de Jazz de Porto Alegre (Take Five). Embora o nome fosse pomposo, e presumisse a existência de sócios e burocracias, na verdade tratava-se de um dos programas mais legais e democráticos que havia na cidade para quem curtia boa música, e era despido de qualquer formalidade. Na verdade, tratava-se do porão da casa da Dona Ivone Pacheco, a Grande Dama do Jazz de Porto Alegre, que, de forma super generosa (e diríamos hoje, até algo imprudente) permitia acesso livre ao pátio de sua residência, sendo que o portão da frente ficava apenas encostado, sem sequer um porteiro para fazer uma “triagem nos elementos”. 
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No Clube de Jazz nosso amigo Wilson Garzon relembra, recupera e vasculha o jazz produzido na vizinha Argentina que, ao contrário do futebol, tem boas coisas a nos apresentar na música. A seguir o texto do especialista: " Antecedentes - Meu primeiro contato ficou por conta do pianista Lalo Schfrin que fazia parte do quinteto de Dizzy Gillespie, no álbum “An Electrifying Evening with the Dizzy Gillespie Quintet” onde fazia solos em “Kush” e “The Mooche”, que se pareciam como solos de um músico brasileiro. Mas quem me marcou de vez foi o saxofonista Gato Barbieri, que antes de fazer grande sucesso com a trilha de “Último Tango em Paris”, gravou em 1971 “Fenix”, álbum em que interpretava com técnica e talento “Falsa Bahiana” de Geraldo Pereira e “Bahia” de Ary Barroso”, tendo a seu lado Ron Carter, Lonnie Smith e Lennie White. Outra presença, esta muito maior, ficou por conta do mago Astor Piazzolla em obras marcantes como “Maria de Buenos Aires” e principalmente nas suas gravações com Gerry Muligan. Depois de um breve tempo fui também apresentado ao trompetista Fats Fernandez, mas esse foi um caso isolado.
Ontem telefonei para o amigo Lester somente para lhe contar que o Blue Crow Trio estará mais uma vez no Bel Luna Jazz Club, trio e lugar que tivemos o prazer de conhecer em 2006, durante sua breve estadia em Barcelona. Como sempre arredio, Lester preferiu hospedar-se no bem localizado Jazz Hotel, a cerca de 150m do clube, ao invés de instalar-se em minha residência (ele sempre alega que não consegue dormir nem ir ao banheiro em casa alheia, ora, ora). Dessa vez, Joan Díaz (p), Nono Fernández (b) e Oriol Gonzàlez (d) contarão com a presença do trompetista Matthew Simon, um dos melhores instrumentistas da Europa. Bem, após falar sozinho por bem pagos quinze minutos, percebi um longo silêncio do outro lado da linha, sinal claro de que Lester estava contrariado. Em tom seco, o amigo perguntou: e o disco de Stefan Karlsson? Comprou? Ouviu? Realmente eu me havia esquecido de agradecer a recomendação de Lester quanto aos álbuns baratíssimos à venda na Amazon, entre eles o excelente Below Zero ( ), gravado em 1992 com Rufus Reid (b), Marvin "Smitty" Smith (d) e, na metade das faixas, com o saxofonista tenor Richard Perry. E tudo por US$1.00!!! E, de fato, Lester tinha razão quando disse lembrar de Bill Evans ao ouvir Karlsson: a mesma tensão delicada, a mesma inteligência contida, calculada, medida e, por contradição, extremamente melódica, sedutora e graciosa. É: Rogério Coimbra tem mesmo razão quando diz que Bill não tem paralelo e faz jus às homenagens de nosso amigo Francisco Grijó. Mas Karlsson é, com certeza, um grande discípulo. Abruptamente Lester me interrompe e pergunta: o álbum não vale cada dólar pago? Antes que eu pudesse responder, ele já havia desligado. Esse Lester...
O centro de Vitória renasce com a boa música. O Botequim Augustus, sito à Rua Gama Rosa, tem promovido noitadas musicais agradabilíssimas. Eduardo, o dono do bar, tratou de deixar a casa com um clima aconchegante (são dois pisos, com ar condicionado), com boa comida (o camarão na moranga é excelente) e bebida de boa qualidade. Os preços são acessíveis ao bolso médio. Aos sábados, a responsabilidade é de Chico Lessa (violão e voz), que, acompanhado por Salsa (sax alto, tenor e voz), interpreta suas parcerias com Márcio Borges (Clube da Esquina), muita bossa e standards da música pop norte americana. O som começa às 21:00h. PS - enquanto não chega a hora, divirtam-se com os blogs Jazzigo e MPBJazz.
Mr. Lester resolveu partir em férias - dizem que estaria perambulando pelas ruas de Baton Rouge - e me entregou dificílima tarefa. Mas, vamos a ela. Chris Potter, nascido em Chicago em 1971, é considerado por muitos um menino prodígio. Mudando-se ainda criança para Columbia, aí passaria a infância com os pais, professores universitários. Começa na música tocando piano de ouvido e considerando o som do saxofone rude, incômodo e feio. Mas, depois de ouvir Take Five com Paul Desmond, muda de opinião e resolve tocar saxofone. Começou pelo alto, sofrendo forte influência de Johnny Hodges, o mais importante sax alto de Duke Ellington. Aos oito anos já tocava bem seu novo instrumento e participa de algumas sessões informais com jovens estudantes de música da Universidade de Columbia. Parte, então, para outros sopros, entre eles os saxofones tenor e soprano, a flauta e o clarone, bem como amplia suas referências, passando a ouvir Coleman Hawkins, Lester Young, Charlie Parker, Stan Getz, Ben Webster, Sonny Rollins, John Coltrane, Wayne Shorter, Joe Henderson, Ornette Coleman, Eric Dolphy e Dewey Redman. Nesse período Chris recebeu importante orientação dos professores do departamento de jazz da universidade de Columbia, entre eles Roger Pemberton. Bem mais velho, já com 12 anos, Chris recebe o prêmio de melhor saxofonista do prestigioso IAJE Young Talent de 1983, mesmo ano em que Terri Lyne Carrington (d), Charnett Moffett (b) e Harry Connick, Jr (p) são premiados em seus respectivos instrumentos. A essa altura, Chris já atuava profissionalmente e, em 1984, se apresentou no Aspen Music Festival, onde conheceu o baterista Myles Weinstein que, impressionado pelo desempenho do garoto, o convidou alguns anos depois para integrar o The Jazz Mentality, ainda hoje em atividade. Dois anos depois, Marian McPartland passa por Columbia e ouve Chris tocando. Impressionada, tenta convencer o pai de Chris a deixá-lo sair em turnê com alguma grande banda, como a de Woody Herman. O pai de Chris concorda, mas exige que o filho primeiro termine a escola secundária. Assim, dos 15 aos 17 anos, Chris perambula pela cidade e, nesse meio tempo, conclui o segundo grau com várias premiações, como um Presidencial Scholar pela sua excelência acadêmica e musical, uma bolsa de estudos do Hennessey Jazz Search, o prêmio de melhor saxofonista de escolas secundárias concedido pela Down Beat e uma bolsa de estudos, concedida por Zoot Sims, para estudar na prestigiada The New School for Social Research.
Mas não há dúvida de que o maior prêmio que Chris ganhou naquela época foi a oportunidade de tocar com Red Rodney no Columbia’s Main Street Jazz Festival de 1989. Os organizadores do festival conseguiram convencer Red a permitir que Chris participasse de dois números. Depois dos dois números, bastante impressionado, Red convidou Chris não apenas para tocar durante toda aquela noite como também em todas as suas apresentações no festival. Afinal, um menino prodígio deve ser capaz de reconhecer outro. Red começou sua carreira aos 15 anos e, aos 22, era o trompetista do quinteto de Charlie Parker, com quem tocou por três anos. E foi assim que Red disse a Chris para lhe telefonar quando chegasse em New York. Com 18 anos, Chris parte para New York e, ao ligar para Red, descobre que este estava precisando de um saxofonista para seu quinteto. O convite foi imediato. Além de trabalhar com Red, Chris freqüenta a The New School, onde conhece músicos como Brad Mehldau. Foi lá que, durante alguns exercícios com Kenny Werner, seu professor de composição, Chris começou fazendo algumas perguntas e, depois de tocarem juntos três músicas, Chris passou a dar algumas lições e dicas para Werner. Em 1990 Chris matricula-se na Manhattan School of Music, onde se formaria três anos mais tarde, fazendo contato com outros músicos brilhantes, entre eles o trompetista Ryan Kisor. Ainda em 1990, Chris faz sua primeira gravação, como membro do quinteto de Red Rodney. É também nesse ano que se apresenta pela primeira vez no Village Vanguard, com o mesmo quinteto. Na platéia estavam dois expectadores de tirar o fôlego de qualquer iniciante: Dizzy Gillespie e James Moody. Em 1991 Chris não grava, preparando-se para o importante Thelonious Monk International Jazz Saxophone Competition, obtendo o terceiro lugar, ao lado de Tim Warfield. O segundo colocado foi nosso amigo Eric Alexander, de quem já falamos aqui no Jazzseen, e, em primeiro, ninguém menos que Joshua Redman. Em 1992 Chris volta aos estúdios com Red, gravando também com seu antigo colega da Manhattan School of Music, Bill Warfield. Em 29 de dezembro desse ano, com apenas 21 anos, Chris grava seu primeiro álbum como líder para o selo alemão Criss Cross: Presenting Chris Potter, com Kevin Hays (p), John Swana (t), Christian McBride (b) e Lewis Nesh (d). |
Em resenha anterior já tivemos oportunidade de relatar como são agradáveis as calçadas de Santiago e bonachões seus cachorros de rua, deixando no ar aquela impressão de que, no Chile, a distância entre o jardim e a praça não é tão abissal como em certos países latinos: quem sabe um dia o brasileiro cuide de sua praça como se fosse seu jardim. Mesmo à noite, quando a lua bem cheia ilumina com algum êxito a poluída capital chilena – sim, Santiago fica num vale tão poluído que raras vezes conseguimos vislumbrar os cumes cobertos de neve da cordilheira, embora as águas do rio Mapocho, que corta veloz a cidade descendo dos Andes, devam seu caudaloso perfil ao gelo derretido por lá – ainda assim, a tranqüilidade nas ruas permanece um mistério bom que convida qualquer casal a longas caminhadas de mãos dadas pelo simpático bairro de Bellavista, onde se encontra, além de ruelas floridas e bons restaurantes, um bom número de clubes de jazz. Depois de um suculento filé regado a um El Principal 2001, foi acender o cigarro e perseguir o local anotado num pedaço de papel: Thelonious Lugar de Jazz, um club gentilmente recomendado pelo amigo Roberto Barahona, diretor do excelente site chileno Puro Jazz. Caminhando de mãos dadas com minha namorada, ouvimos jazz saindo de algum lugar indefinido. Seguindo o som, chegamos a um local denominado Sala SCD, uma espécie estranha de teatro, sem porteiro, sem bilheteria, sem pessoas. Entramos e, sempre seguindo o som, empurramos uma porta pesada, daquelas com grandes maçanetas horizontais utilizadas em cinemas. Foi assim que nos deparamos com um pequeno teatro, quase vazio – havia mais gente tocando no palco do que ouvindo na platéia. Sentamos em silêncio e conseguimos apreciar o final de um apaixonado solo de sax tenor, moderno, dilacerado, com um quê de John Coltrane. Foi o último número da noite. O saxofonista, Augustín Moya Eyzaguirre, era um convidado do trio chileno Sin Filtro, formado por Gastón Apablaza Ochsenius (g), Andrés Landón Vío (b) e Julio Denis Farias (b). 
Mais tarde, no palco e no camarim, tivemos a oportunidade de conversar com os jovens músicos, todos universitários. Haviam acabado de lançar o primeiro álbum, Mercenario, uma proposta musicalmente convincente e bastante representativa do jazz mais atual feito no Chile. Depois de nos despedirmos dos simpáticos integrantes do Sin Filtro, prosseguimos na doce jornada em busca do bar Thelonious Lugar de Jazz. Foi num entroncamento de três ruas mal iluminadas por um antigo poste que identificamos a Rua Bombero Núñez, 336. Após tocar por algum tempo a inusitada campainha, fomos atendidos por uma jovem sonolenta que se limitou a apontar para uma estreita porta ao lado. O Thelonious Lugar de Jazz havia se instalado em outro número, na mesma rua. Ainda do lado de fora, percebi que algo diferente ocorria naquele lugar: pensei ouvir um trio – piano, baixo e bateria – tocando Blue Chopsticks, de Herbie Nichols. Claro que ouvir alguém tocando Herbie seria improvável em qualquer cidade do mundo, quanto mais numa latino-americana, exceto em Vitória, onde Mr. Salsa faz questão de homenagear o velho mestre do piano. Entramos e, de fato, pudemos perceber uma série de livros dispostos em estantes altíssimas, completamente fora de acesso das mãos. Pelos meus cálculos, nem pulando muito alcançaríamos sequer um daqueles vistosos tomos de jazz. Procurei por alguma escada próxima ou alguma espécie de banco que pudesse levar o consulente até as obras dispostas nas prateleiras. Nada. Após alguns minutos aturdido pela visão incômoda de uma biblioteca inacessível de um lado e a audição de Herbie Nichols que rolava solto do outro, sentamos bem instalados numa das muitas mesas disponíveis. No balcão do bar, figuras estranhas trançavam as pernas finas umas nas outras, soltando tranqüilas a densa fumaça de seus cigarros. Estou no lugar certo, pensei. Imediatamente uma solícita garçonete nos atendeu sorridente, trazendo rapidamente algumas garrafas da excelente cerveja chilena. Instalado, pude observar melhor o compenetrado trio fazendo jazz num palco amplo, perfeitamente integrado ao arejado espaço do bar, com seu pé direito generoso e janelas discretas. Nas paredes, quadros de grandes mestres em preto e branco realçavam o colorido clube. No bar, bebidas variadas. No piano, Martin Joseph, músico responsável por um dos melhores shows de jazz a que já tive o privilégio de assistir. Através de minha estratégica situação geográfica, podia observar de perto não apenas as mãos de Martin, como também suas curiosas partituras, escritas a mão, repletas de rabiscos e anotações personalíssimas que, por conseguinte, restaram indecifráveis. 
Mas os temas denunciavam Martin: Monk, Mingus, Coltrane, Parker, Gershwin. Como que frutos dessa mistura de influências, Martin apresentou algumas composições próprias que, sem exagero, não deixavam nada a desejar às melhores composições do estilo que poderíamos denominar de neo-bop, quer em inspiração, quer em originalidade, quer na qualidade dos arranjos, também seus. Ao final do primeiro set, não pude me conter e fui cumprimentar o pianista. Ao invés do formal boa noite, Martin ofertou um sorriso tranqüilo e receptivo, seguido de um olhar sereno, como que reconhecendo diante de si outro amante sincero do jazz. A identificação foi imediata e recíproca e, a conversa, interrompida apenas porque o show precisava continuar. Mais tarde, depois do segundo e último set, resolvi não cansar o pianista que, compreendendo minha opção, fez um convite que me emocionou: visitá-lo em sua casa e, como se não bastasse, receber alguns álbuns de sua autoria. Convite feito, convite aceito. A residência de Martin ficava próxima ao bairro de Las Condes, um pouco adiante do centro artesanal de Los Dominicos, num aprazível condomínio de casas. Fomos recebidos com carinho e atenção pelo músico e sua adorável esposa. Na saída, carregava alegre dois álbuns de Martin: More Light: Suite in 13 tones, gravado em 1995 e Mystery Box, em 1997. O primeiro álbum é composto de 1 suíte atonal e 12 suítes em tonalidades distintas, todas para piano solo. Solo em termos, porque as suítes, compostas em Santo Domingo, durante o período em que Martin viveu na República Dominicana (1991-1995), são resultado de um pedido do pintor uruguaio Fernando Varela, que encomendou a Martin algumas pequenas peças para piano que lhe servissem de inspiração para novas telas. Assim, surgiram essas minúsculas pérolas de música contemporânea, resultados nítidos de inspiração, virtuosismo e um profundo conhecimento do jazz. Em alguns momentos, durante a audição do álbum, era como se Thelonious Monk, Lennie Tristano, Claude Debussy e Isaac Albéniz estivessem numa só pessoa, compondo, tocando e improvisando. O outro álbum, Mystery Box, é resultado da enorme capacidade que Martin possui para administrar influências musicais extremamente diversas, sempre as remodelando de acordo com o gênero musical que mais lhe agrada: o jazz. E não se trata de um determinado estilo de jazz, específico e estático, mas o jazz em sua mais ampla e dinâmica concepção, onde as heranças determinadas pelo blues, pelo stride, pelo new orleans, pelo swing e pelo bebop nunca são esquecidas ou minimizadas. 
Ao contrário, Martin consegue, em suas composições e interpretações, produzir jazz moderno, complexo e atual sem cair no vazio cerebral e desapaixonado que caracteriza boa parte das obras de jazz de vanguarda. Em Mystery Box, gravado em La Paz durante sua estadia na Bolívia (1995-1996), Martin conta com excelentes músicos latinos: Jonathan Cuenca (tb), Alvaro Montenegro (f, ss, as) e René Saavedra (b), além do japonês Koji Hishimoto (f) e do inglês Chris Egan (ss, ts). Os temas, muitos deles compostos por Martin, desenrolam um painel rico, complexo e saboroso do jazz contemporâneo, painel que, embora nada simples, conserva a beleza e a sedução. As referências a Charles Mingus, John Coltrane e Schoenberg são claras e explícitas, e a humildade do artista é digna de ser citada: “Este é, do meu ponto de vista, um disco de jazz ‘tradicional’. Nele se escutam instrumentos acústicos, que os músicos sabem fazer falar e tocar. O disco inclui improvisação coletiva, além dos solos. Tem, ainda, riffs e um conhecido blues dos anos ’50, assim como música livremente improvisada. Para mim, tudo isso é parte da tradição: aliás, a improvisação livre existe há 30-40 anos, ou quase 50 se consideramos Intuition de Lennie Tristano. O objetivo de fazer coexistir as diversas facetas dessa tradição viva em uma interação criativa e coerente me parece uma boa imagem de onde nos encontramos hoje, e não apenas do ponto de vista musical.” Martin Joseph nasceu em Londres, em 1938, filho de um pianista do swing. Cresceu ouvindo jazz e aprendendo piano clássico. Isso o ajudaria a moldar sua estética musical ampla, livre, curiosa, sedenta por ouvir, compor e tocar a boa música. Pianista reconhecido, compositor respeitado e professor de uma legião de jovens apaixonados pelo jazz, Martin optou pelo nomadismo espiritual e geográfico: em Londres atuou com diversos músicos do jazz e do rock, entre eles John Surman e Ginger Baker. De 1970 a 1988 trabalhou na Itália como pianista, compositor e professor, acompanhando figuras como Albert Nicholas, Buddy Tate, Art Farmer, Dexter Gordon e Steve Lacy. Nesso longo período, grava excelentes álbuns, além de criar e presidir a Scuola Popolari di Musica di Testaccio, repassando seu enciclopédico conhecimento sobre a História e os estilos do jazz. Fazendo as malas como quem troca de camisa, Martin parte para o Peru (1988-1991), depois para a República Dominicana (1991-1995), em seguida para a Bolívia (1995-1996) e, até onde sei, para o Chile, onde tive o privilégio de conhecê-lo e ouvi-lo. Sem dúvida, nessa minha longa jornada em favor do jazz, conheci poucas pessoas como Martin, um ser absolutamente apaixonado pelo jazz. Não poderia ter recebido melhor presente de Natal que aquela noite no Thelonious Lugar de Jazz. Obrigado Martin. | Colours of A Chang... |
Esse personagem mereceria um capitulo a parte,basta defini-lo , sem exagero, como um dos 5 maiores conhecedores que já existiram no pais sobre jazz. Aflalo não amava simplesmente o jazz, ele viveu pelo jazz (take it easy JL). Com sua assessoria, estabeleceu que se formaria uma orquestra pra casa de treze figuras, sob a regência do sax-alto argentino, o bandleader Hector (Besignani) Costita, lendário personagem do jazz latino americano. Seguindo os mesmos padrões e exigências de qualidade que estabeleceu nos minuciosos detalhes da construção e funcionamento do hotel, adotou-se , também, na constituição da banda. Vinicius Dorin, saxofonista, Olmir Stockler (Alemão, um dos maiores guitarristas brasileiros de todos os tempos), Nailor Proveta (líder e ogiva cerebral da Banda Mantiqueira, provavelmente o musico popular mais completo do país) só pra citar alguns, foram membros desse “dream team”. E tocavam, antes e após as entradas da atração principal, para os casais (homem e mulher, registre-se) dançarem agarradinhos na pista. Prática colocada de lado, hoje em dia, e só exercitada em bailes de formaturas, festas de debutantes e festividades da terceira idade. Aos poucos foram “seduzindo” os artistas que aguardavam sua entrada, começando a exigir que passassem à participar da apresentação de alguns de seus ídolos. Ir ao 150, era um das poucas ocasiões em q podia vestir calças compridas, tinha menos de 10 anos, naquela época. Fui duas vezes , na companhia de meus avós, ver Joe Williams e Michel Legrand. Da primeira vez, lembro do sorriso largo de Williams passando entre as mesas, pedindo coro a platéia em seu clássico “Every day I Have the Blues”. Mas meus inocentes olhos , e a maioria absoluta dos homens feitos, estava hipnotizado com a figura de Christiane Torloni, a menos de três metros, aos vinte e poucos anos, insuperável. Na de Legrand, impressionei-me como um músico, feito mágico e sua cartola, poderia retirar uma canção, mais inesquecível que a outra. E todas elas de sua autoria. É melhor parar por aqui. O 150 não existe mais e grande parte desse elenco esta fazendo música em outro “ pedaço”. Só pra não esquecer: Frank Sinatra se apresentou num dos salões de festas do hotel. O 150 era pequeno demais. E Mel Tormé assustou Roberto, quando negociavam seu cachê, colocando quem arcaria com o combustível de seu jatinho particular." (Foto: Bobby Short no 150 Night Club, Maksoud Plaza, 1983 - Fonte: Ovadia Saadia).